Chicago - III

Nach dem Debutalbum Chicago Transit Authority und Chicago II und ausgedehnter Tour wirkte die Band - lt. eigener Aussage D.Seraphine "fatigued and road-weary" , also fix und alle.. Aber "pacta sunt servanda", hilft nix, sie mussten wieder ins Studio und malochen. So probierten und experimentierten sie nach Kräften und warfen ihre individuellen Fähigkeiten in den Ring. Wenn man sich die Komponisten der einzelnen Titel anschaut, fallen mit Robert Lamm, Peter Cetera und Terry Kath die Hautpstützen des Komponierens ins Auge. Aber auch die Bläsersektion und Drummer Seraphine trugen sich ein.

Wie klingt  nun das Ergebnis der Mühen aus heutiger Sicht ( oder besser Hör)?

Vorab möchte ich bemerken, dass diese Band von ihrem ersten Auftauchen in meiner Hörhemisphäre sofort zu meinen Lieblingen gehörte(" I'm a man - 1.Album!). Also von objektiver Rezension kann im Folgenden nur bedingt die Rede sein.

Was zunächst auffällt, wenn man sich die Titelliste anschaut, ist, dass es sowohl einzelne Songs als auch Songgruppen, auch Suiten genannt, gibt. Dabei spielte auch das damalige Format der Vinylscheiben eine Rolle. Die ersten Songs kamen auf die erste Seite beginnend mit dem funkigen "Sing a mean tune kid". Hier schon glaubt man  live im Studio während der Aufnahme zu sitzen. So wird hörbar angezählt und die Band setzt akurat ein. Bei entsprechender Lautstärke  der heimischen Anlage ist man mitten im Geschehen. Anders als beim 2. Album, das im Vergleich distanzierter klingt. Aber zurück zum Musikalischen.

Es wird schnell hörbar, was die Faszination damals ausmachte, die die Band ausstrahlte: Es ist die Kombination von rockigen Riffs sowohl von Gitarre als auch Bläsersätzen, melodiösen Vocals, die auch mal kantiger werden können, Dazu die meist aggressiven Soli von Gitarrenberserker Terry Kath.

Auch jazzige Ausflüge gehörten unbedingt ins Konzept der Band, wofür meist die Bläserabteilung sorgte.

So ufert der Einsteiger auch in einem wilden Solo der Gitarre aus (Ausblende!). Der nächste Titel "Loneliness is just a word" steigt mit einem jazzigen Bläsersatz ein, das swingende bleibt durchweg erhalten, die Stimme v. T.Kath passt genau zu diesem Swing, er erdet damit das Ganze kontrastrierend zu den Westcoastchören im Hintergrund. Westcoastmäßig wird's dann in"What else can I say", eine Ballade, in der Peter Cetera schon andeutet, wohin es einige Jahre später nach Kath's tragischem Tod mit der Band hingehen sollte - in's süßlich-kitschige Poplager.

Jetzt aber die Wende zum puren Rock. "I'don't want your money" ist zu dieser Zeit mit "25 or 6 to 4" DER Chicago-Titel schlechthin, weil hier gerockt wird, was das Zeug hält. Und die Bläser die Verbindung zum Jazz dank ihrer Satzgebung nicht abreisen lassen.

Nun beginnt der erste Songzyklus mit  dem countyesken "Flight 602", viel Westcoast und Schöngesang mit Slidegitarre. Anschluss hält ein "Motorboat to Mars", ein Schlagzeugsolo auf einem Album! Heute so gut wie  ein tabu. Die 90 Sekunden vergehen aber wie im Flug(!) und der Aufschrei " I just wanna be FREE" lässt die Beinchen kaum ruhig sein. Allein die Inbrunst, mit der alle Beteiligten mittun reißt mit. Da kann man nicht widerstehen! Auch hier scharfe, exakte Bläsersätze, die eines der Markenzeichen der Band waren.

In "Free Country" zeigt die Band ein anderes Gesicht. Hier wird neoklassisch musiziert. Das Klavier beginnt, eine Flöte klingt sich hinzu, Irgendwo las ich, dass bei manchen Kompositionen der Band lydische Tonleitern die Basis stellen. Vlt. hier? Da muss ich passen. Jedenfalls gesellt sich auch ein Metallophon hinzu und die freie Entwicklung nimmt ihren Lauf.Mit einem Ende, das an PF gemahnt. Einige Klavierakkorder leiten "At the sunrise" ein, ein Westcoastsong mit mehrstimmigem Gesang uramerikanisxcher Art und dazu schönharmonische Bläsersätze, wie sie nur von Chicago kommen können. Da sind sie einfach unverwechselbar. Und wieder zählt Terry the Kath an und die Sause geht los, diesesmal mit wortlosem Gesang , akustischer Gitarre und Bläserbegleitung. Das klingt nach Urlaub, Sonne, Meer, Unbeschwertheit. Ein Postachtundsechziger sotzusagen um auch mal ein "Post" unterzubringen. Rezensionen ohne "Post" scheinen zur Zeit total "oldschool" zu sein, einfach out. Jeder, der was auf sich hält muss mindestens ein Mal "Post" verwendet haben. Ich schweife ab...

Die Flöte hat derweil übernommen und das E-Piano begleitet und der Song klingt flötig-bassig-drummig aus.

Nun kommt die Mutter um die Ecke  - "Mother". Ein E-Pianoriff bildet die Basis, vorwärts treibend. Eine Strophe wird von Robert lamm angestimmt, Bläser mischen sich ein, Break, ein rockjazziger Rhythmus wird von Gitarre und Keys gelegt, Bläsersoli improvisieren, - Break - zurück zum Lied, eine Strophe wird mehrstimmig intoniert, wieder ein Bruch, Posaunensolo, Ende: Das wirkt aber nicht zerrissen, sondern wie aus einem Guss, das muss so sein und nicht anders. 

"Lowdown" wurde komponiert von Drummer Seraphine with a little help from Peter the Cetera. ein eingängiger Song mit Hitqualität und radiotauglich. Klingt heute schon aweng gestrig. Aber nett.

Eine Stunde unter der Dusche wird im nächsten Zyklus verarbeitet. Was sich hinter dieser mystischen Botschaft verbirgt, wird dem geneigten Neugierigen hier wg. der rudimentären Englischkenntnissen des Rezensenten nicht offenbart. Jedenfalls legt sich hier Terry Kath richtig ins Zeug. Er scheint zu wissen wovon er singt... Auch hier zeigt die Band alle ihre kompositorischen und musikalischen Fähigkeiten. 

Dann gibt's überraschenderweise ein kleine Prise Lyric Ein Gedicht, vorgetragen von Robert Lamm von Kendrew Lascelles (?). 

Bedeutungsschwanger setzen Bläsaer nach, eine Flöte mit Klavierbegleitung leitet über zu einem von Bläsern bestimmten Song.Dann wird's wieder frei, es wird kakophoniert  mit Autohupen und Presslufthämmern. In den '50ern nannte man das - so denke ich mich zu erinnern -. musique concrète. Scharfe Bläsersätze holen uns wieder in die Chicagowelt zurück . Ein jazziges Trompetensolo geht einem Orgelsolo voraus, dem folgt ein Saxsolo, nun setzt Terry Kath seinen Abdruck in die Rillen, sogar sehr gepflegt kann er auch, nochmal Posaune, Bläserschläge und nochmals das Thema und das Ende mit großer Geste. 

Wir haben hier ein Album, das a) typisch ist für die frühen '70er, das sich aber b) zum größten Teil heute recht zeitlos -

 will meinen an keine Zeit angebunden - hören lässt. Es ist abwechslungsreich, dabei unverwechselbar - und deshalb eines der Besten der Band. Inzwischen hat es in meiner Liste das 2. Album überholt. Die Band wird nun 55 Jährchen alt und geht auch auf Tour. Ein neues Album gibt es auch. Es ist Zeit sich zumindest der ersten 5,6 Alben zu widmen.

MOON HALO - CHROMA

 

Wenn sich Musiker zusammerntun, die bisher eher sich mit prognahen Konzepten musikalisch ausdrückten, dann ist nicht zwingend zu erwarten, dass dabei Pop bzw. Poprock rumkommt.  Bei der Formation MOON HALO jedoch war dies offenhörlich der Fall. Da trafen sich Mostly Autumn-, Riversea-  und Heather Findley Band- Musiker und   komponierten ein Album, das überrascht mit knackigen Riffs, Mitsingmelodien und vielen tanzbaren Rhythmen. Und das auf hohem Niveau. da wirkt kaum ein Titel als Füller. Die Songlängen sind annähernd radiolike. Nach 2-3 Durchläufen stellt sich eine Sogwirkung ein, die einen den Repeatschalter drücken lässt, d.h. Suchtgefahr!

Die späten 1960er - frühen -70er Jahre ploppen wieder auf, Erinnerungen an Fleetwood Mac der Rumour-Phase, Dire Straits  - die Soli von Gitarrist Martin Ledger sind schon fein - und ZZTop (" Seize the day") klingen an. Funksouliges schlägt durch - man zieht an vielen Strängen. Garniert wird mit einigen elektronischen Gimmiks in angemessenem Maße. Da werden die Gehörgänge nicht zugekleistert, alles klingt transparent und durchhörbar. 

Wesentliches Charakteristikum ist die Stimme Marc Atkinsons, die zunächst etwas zurückgehalten rüberkommt, aber mit fortlaufender Dauer immer mehr an Format gewinnt gleich ob in einer Ballade (" The Veil") oder im anschließenden Rocker " Parachute" (ZZTop!), der das Potenzial eines echten Gassenhauers hat. Die Arrangements sind von der feinen Art, wie schon erwähnt scheint man viel Fleetwood Mac gehört zu haben/zu hören.

CHROMA ist Pop/Poprockalbum der feineren Art, das auch den Proggy packen kann so er offen für den Tellerrand ist. Inzwischen ist auch das 2. Album erschienen, das nach dem ersten Hör kein Nachlassen erkennen lässt. Da wächst was heran - MOON HALO!

YES - THE QUEST

 Puuuuhhhh --- uffff --- geschafft! Wie lange hat es nun gedauert, diese Langstrecke? Einundsechzig und einpaar Zerquetschte - so gequetscht und erzwungen und zäh scholl es auch aus den Lautsprechern. Was war das nun? Ich fasse es nicht. Eine Band namens YES!!! Da war mal was in den '70ern mit Stilbildnern, Meilensteinen, Unikaten, nicht zu überbieten. Was ist nur daraus geworden! Ich sitze peinlich berührt vor der Anlage und glaube es fast nicht, obwohl durch die Rezessionen hier vorgewarnt. Leider muss ich konstatieren, dass es noch schlimmer ist als befürchtet. Nein, ich kenne "Heaven & Earth" nicht und will dieses "Werk" auch nicht kennenlernen. Ich kenne nun "The Quest", was mir reicht um einen Eindruck zum derzeitigen Zustand dieser ehemals wirklich einmaligen Band zu erhalten. 

Das Album eröffnet mit der Singleauskopplung "The Ice Bridge". Synthiefanfaren emerson'scher Prägung schließen auf, da kommt schon die erste Bremse, Motto: nur mal langsam mit den alten Leut',gell? Die Davison'sche Stimme erhebt sich, nimmt Fahrt auf und es entwickelt sich ein leidlich flotter AOR-Song mit proggigem Anspruch. Kann man hören, muss man aber nicht. Das Ende klingt doch recht fantasielos.Ja man hört Steve Howes Gitarre in typischer Manier, na und? Der Rest ist belanglos.

Nun das Traurige : es wird nicht besser, im Gegenteil. Ich werde nun nicht jeden Titel belichten. Für mich lohnt der Aufwand nicht. Nur soviel. das Niveau des Einsteigers wird nicht gehalten, es sinkt bis in die Niederungen von "Music in my ears" bis zu "Mystery Tour"(unsäglich!) und "Damaged world" (schon mal  "Gates of deliirium" gehört,YES???).

Wozu also der Aufwand? Ja, es bleiben Fragen. Meine primäre wäre die, ob es nicht endlich Zeit wäre, die Rente einzureichen und die Anhänger wirklich progressiven Rocks mit den '70er Werken glücklich sein zu lassen.

TRAUMHAUS - In Oculis Meis

Nach nun 7 Jahren erscheint zu Coronazeiten das neue Album der Deutschprogger. Mutig in diversen Formaten  - CD und Vinyl - und zweisprachig. Mit der englischen Version schielt man auf den internationalen Markt. Wechsel an den Drums und am Bass gibt es zu vermelden. So übernimmt Ray Gattner (u.a. MBWTEYP) den Sitz hinter den Toms und Becken, und Till Ottinger (Secret World) den Bass. Den festen Kern bilden seit Jahren Alexander Weyland, der auch für die Komposition und Texte verantwortlich zeichnet, den Gesang sowie die Keyboards bedient, und Tobias Hampl, der an der Gitarre sicher einer der besseren in diesen unseren Landen ist.
Die Songs laufen zwischen gut 2 bis knapp 9 Minuten im überschau - äh - hörbaren Bereich. Longsongs wie beim Vorgänger "Das Geheimnis" finden nicht statt.

Den Einstieg ins neue Werk bildet der Titel "Das Erwachen" -  wie passend. Damit ist angedeutet, womit sich das Album textlich beschäftigt. Die zentrale Aussage findet man im Booklet in lateinischer Sprache und in der Bibel Psalm 131 Vers 4. Wer suchet, findet - dort. Der Mensch sucht und hangelt sich dabei durch die Tiefen und Höhen dessen, was man/frau das Leben nennt.
Der Song beginnt mit neoromantischem Klavier und kurzem Queenchor bevor von hartem Riffing begleitet die Stimme anhebt und die Frage der Fragen stellt: wohin und warum. Etwas gewöhnungsbedürftig klingt das Hochziehen der Stimme am Ende des 1. Verses der Strofe. Kunst?
Die Antwort mag sich jeder selbst geben.
Was sich anschließt ergibt bis zum Ende einen Songzyklus aus Titeln der typischen Traumhaus"schule" - deutsche Texte philosophisch-psychologischen Inhalts aufgesetzt auf Neoprog der eher knackigen Art, da die Gitarrenriffs scharf reinschneiten ins Geschehen. Dicke Melotrons, auch mal ein kurzes Orgelsolo, dafür jede Menge teils hervorragende Gitarrensoli von Tobias Hampl, der sicher zu den besseren Gitarreros im Lande gehört. Auch schöne cantablie Refrains in bombastischem Ambiente darf man  mitsingen - wenn man will.  Prägend war und bleibt hierbei die Stimme von Hauptkompositör Alexander Weyland, die ihren Stempel dem Bandklang aufdrückt ohne zu herrschen. Wenn auch der Einstieg etwas unglücklich wirkt (s.o.).
Ein Album mit kompakten Songs ohne Längen, mit Melodien und metalharten Riffs. Man kann es mögen - wie der Rezensent. Aber es ist nicht das stärkste Album der Truppe.

https://traumhaus.bandcamp.com/album/in-oculis-meis-german-edition

Die Band:
 Alexander Weyland:      Vocals, Keyboards, Programming
Tobias Hampl:                Guitars
Till Ottinger:                   Bassguitars
Ray Gattner:                  Drums

Titel:

1. Das Erwachen                      2:14
2. Bewahren & Verstehen        8:22
3. Der Vorsprung                     6:13
4. Entfliehen                            5:22
5. Viele Wege                          4:47
6. Der neue Morgen                7:41
7. Verstehen & Bewahren       5:34
8. Die Dunkelheit
     durchleuchten                    8:58

UK - NIGHT AFTER NIGHT - LIVE

Im Jahre 1977 gründeten Alan Holdsworth (g, Ex- SoftMachine), Eddie Jobson (v,keys, Ex-RoxyMusic, Ex-CurvedAir, Ex- FrankZappa), John Wetton (b,voc, Ex-KingCrimson, Ex-UriahHeep, Ex-RoxyMusic) und Bill Bruford (dr, Ex-Yes, Ex-KingCrimson) eine Band mit progressiver Ausrichtung, wobei Gitarrist Holdsworth den jazzigen Anteil stark unterstrich. Dies wiederum führte mit der Zeit zu Spannungen mit Wetton, der eher dem AOR zugeneigt war. Nach dem ersten Studioalbum UK (1978) trennte man sich von der Jazzfraktion Holdsworth und Bruford. Terry Bozzio von Zappas Truppe setzte sich hinter die Drums.Im Folgejahr wurde das 2.Studioalbum "Danger Money" eingespielt. Das Trio tourte darauf teils als Headliner, teils als Support (z.B. Jethro Tull) unter anderem auch in Japan. Dort wurde das Album "Night after Night"  in verschiedenen Städten aufgenommen und noch 1979 veröffentlicht.
Nun also im Jahre 2019 eine Neuauflage mit dem Zusatz "extended", welche auch nur ein Teil des Boxsets "Ultimate Collectors Edition" darstellt; quasi eine Drittvermarktung des gleichen Artikels. CD 1 eröffnet mit "Night after night", einem Song mit gestolpertem Intro, was die Rhythmik betrifft - nein, ich bin zu faul zum Mitzählen, um gleich allen Fragen zuvor zu kommen -  aber eingängigem Refrain und schönem Orgelsolo von Jobson, das musikalisch mehr hergibt als die etüdenhaften Tonleiterfingerübungen, die die meisten Keyboarder als Soli anbieten.
"Danger Money" eröffnet mit dunkel dräuenden Keyboardakkorden, die nix Gutes verheißen. Der Song beginnt dann auch mit mehrstimmigem Refrain, dem die typische Liveatmosphäre anhaftet. Die Mehrstimmigkeit klingt roh und ungeschönt. Der Instrumentalpart - aus heutiger Sicht wenig spektakulär, damals in den End70ern, war dies schon ein starkes Statement für eine Keyboarder - 3-Mann-Kapelle.
Auch könnte man diesen Titel als Aufwärmer für das komplexere "The only thing ..." verstehen, indem vertrackt musiziert wird und John Wetton - nicht zum einzigen Mal - an seine stimmliche Grenze gerät. Hier glänzt Jobson mit diversen Keyboardklängen und Soli. Die Violine wird hauptsächlich als Soundinstrument und weniger als Soloinstrument verwendet. Wettons treibender Bass sorgt für Tempo und Drängen.
"Nothing to lose" ist eine Reverenz an Wettons Popaffinität. Ich erinnere mich an manche Radiosendung damals, in der dieser Titel lief.  Jobsons Violinsolo klingt gut, ist aber inhaltlich sehr sparsam. Ebenso der Tastenteil. Insgesamt nothing fancy.
Als ehemaliger Bassist war ich natürlich gespannt auf das so titulierte Basssolo. Es beeindruckt durch Tempo und Beweglichkeit auf dem Griffbrett.
Synthieklänge begleiten die ersten Worte von "Thirty years".  Nach ruhigem Beginn entwickelt sich ein typischer Progsong der damaligen Zeit. Auf eine Keyboard-Bass-Hookline setzt sich eine gesungene Tonfolge - das Wort Melodie scheint mir unpassend - der folgt wieder eine Hookline mit einem refrainartigen  - jetzt passt's - Melodie.
Mit in der Melodieführung, den Keyboardsounds und dem verschleppten Rhythmus stark an King Crimson erinnernden "Carrying no cross" geht die Reise weiter in die Welt des '70er- Progs. Nach KC folgt eine Hommage an ELP's "Tarkus" ohne daraus direkt zu zitieren. Aber die Anleihen sind mehr als deutlich. Sicher ein Höhepunkt des Auftritts und dieses Albums.
"Rendezvous 6:02" gilt für Fans ebenso als ein Höhepunkt im Schaffen der Band, war dunnemals öfter in den Hitparaden des Rundfunks anno Endsiebziger zu hören, wenn auch nicht auf vorderen Plätzen. Ohrwurmqualität ist dem Liedchen nicht abzusprechen live mit Keyboardsounds etwas aufgemöbelt.
"As long as you want me here" bildet den Abschluss der 1.CD und ist ab Minute 2 nicht wirklich spannend mit seinem schlagerhaften Refrain, da rettet auch der ruhigere Mittelteil und die unterlegten Keyboards nicht mehr viel.
Mit dunklen Synthiesounds eröffnet "Alaska" die 2.CD. Eine Keyboardernummer Emersonscher Prägung ergießt sich über den Hörer, die unvermittelt in "Time to Kill" übergeht, ein Song, der sperrig wirkt, mit Tempo nicht geizt und ein echtes Violinsolo preisgibt, das über reine Fingerübungen hinausgeht. Nicht nachvollziehbar, dass der Titel "Violinsolo" nicht direkt anschließt, sondern eine Kunstpause eingeschoben ist. Wobei dieses "Solo" eher einem Klanggemälde mittels Fingerübungen ähnelt als einem musikalisch fundiertem Solo, indem es um Variation bzw. Improvisation gehen sollte. So bleibt der Eindruck, dass Mr. Jobson unter seinen Möglichkeiten bleibt, die er in "Time..." allerdings angedeutet hat.
"By the light of day -Part II" und "Presto Vivace " zeigen Eddie Jobson als exzellenten Keyboarder, der den damaligen Tastenlöwen im Spieltchnischen sicher in Nichts nachstand. Das Drum solo im Anschluss - so what, dem Zeitgeist damals geschuldet.
Ja,"In the dead of night" beginnt nicht nur krummtaktig, der Krummtakt trägt auch durch das ganze Stück; nein, ich habe als 2,3,4/4 geeichter Hörer nicht mitgezählt. Aber gespürt(!), dass das Stück anders getaktet ist. Allerdings wird heute die Tragik der Situation, in der der Prog damals sich befand. hörbar. Cheesy Sounds der Keyboards und poppige, ja fast schon schlagerartige Refrains zeigten die Grenzen der Kreativität im damaligen Progrock auf. Da war man gefangen im Zwang, gefallen zu müssen um Quote zu machen. Die 80er kündigten sich schon an. 
"Ceasar's palace Blues" lässt's nochmals richtig rocken, Jobsons Dopplelgriffe auf der Geige bestimmen den Sound und lassen den Hörer mit der Erkenntnis zurück, dass die 70er zwar am Ende der Dekade eine Zäsur progmusikalisch erfahren, aber nicht das Ende des Prog bedeutet haben.

Die Band

John Wetton bass, lead vocals Eddie Jobson keyboards, backing vocals, violin

Terry Bozzio drums, percussion

Titel

Disc 1

Disc 1 1. Night After Night   (Remixed from the original multitrack master tapes) 5:09 2. Danger Money 8:08 3. The Only Thing She Needs 9:14 4. Nothing To Lose 5:12 5. Bass Solo 5:15 6. Thirty Years 6:16 7. Carrying No Cross 13:27 8. Rendezvous 6:02 5:32 9. As Long As You Want Me Here 5:02

Disc 2
1.	Alaska   (Remixed from the original multitrack master tapes)	4:18
2.	Time To Kill	4:20
3.	Violin Solo	4:32
4.	Time To Kill - Reprise	2:21
5.	By The Light Of Day - Part II	1:36
6.	Presto Vivace	1:05
7.	Drum Solo	3:45
8.	In The Dead Of Night	6:22
9.	Caesar's Palace Blues	5:02

Disc 3
1.	Night After Night   (BluRay (2.0 Stereo & 5.1 Surround))	5:09
2.	Danger Money	8:08
3.	The Only Thing She Needs	9:14
4.	Nothing To Lose	5:12
5.	Bass Solo	5:15
6.	Thirty Years	6:16
7.	Carrying No Cross	13:27
8.	Rendezvous 6:02	5:32
9.	As Long As You Want Me Here	5:02
10.	Alaska	4:18
11.	Time To Kill	4:20
12.	Violin Solo	4:32
13.	Time To Kill - Reprise	2:21
14.	By The Light Of Day - Part II	1:36
15.	Presto Vivace	1:05
16.	Drum Solo	3:45
17.	In The Dead Of Night	6:22
18.	Caesar's Palace Blues	5:02

VOYAGER IV - Pictures at an Exhibition

Marcus Schinkel ist der Kopf und Treiber der neugegründeten Band VOYAGER IV. Bekannt wurde er durch seine Crossover-Projekte, vor allem das "Crossover-Beethoven"-Projekt, von dem bisher 4 CDs vorliegen. Nun also Mussorgskys Bilderzyklus aus Anlass des Geburttstages von Keith Emerson am 2.November.
Die Frage liegt nahe, ob es denn nicht schon genug Versionen dieses Klassikers gibt, vor allem im weiteren Rockbereich, in dem ELP's Fassung die berühmteste ist. Aus deutschen Landen sind die bekanntesten von MEKONG DELTA und die der STERN COMBO MEISSEN. Nun also VOYAGER IV.
Um der Sinnfrage der wiederholten Versionen des Bilderzyklus eine Annäherung zur Antwort zu geben sei hier ein Spruch von Thomas Morus zitiert, der sich auf der Homepage von Marcus Schinkel findet:" Tradition ist nicht die Aufbewahrung der Asche, sondern die Weitergabe des Feuers!" Vor diesem Hintergrund gehört - und auch ohne diesen - entwickelt Schinkel eine Crossover-Version, die neue Perspektiven auf den Klassiker eröffnen kann. Ob sie dieses tut - hörmer mal:
Schon der Beginn mit der Promenade verstört zunächst den "Bilder"- afizinato mit Spacegeräuschen (Was hat Mussorgski mit dem Weltraum zu tun?). Aus  Pianoperlen löst sich kurz das Thema - von einer Oboe (Synthie?) intoniert - um dann vom Klavier jazzig bis zum Finale geführt zu werden, das als Verbeugung vor K.Emerson mit vollem Hammondsound zelebriert wird.
Dann folgt die nächste Überraschung. Die Band ändert die Reihenfolge der "Bilder". Sie hängt sie um. Anstelle des "Gnomus" folgt "Samuel Goldberg (der Reiche) und Schmuyle (der Arme)". Zum Hauptmotiv Mussorgskis schrieb Sänger Johannes Kuchta einen Text und strickte mit Keyboarder und Mastermind Marcus Schinkel eine Ballade draus. Sie lässt sich zunächst gut hören. Aber spätestens beim 2. Durchgang und der 2. Wiederholung des Refrains beginnt die Stimme Kuchtas einen unangenehmen Touch zu kriegen. Ab dem 3. Hördurchgang nervt dieser Refrain. Eine etwas andere Melodieführung des Refrains würde es dem Höer einfacher machen. dabei zu bleiben. Wie sagt der Küchencheffilosof aller Rezensenten so zielsicher? " Das Rezensieren ist kein Ponyhof!"...
Diesem stark abgewandelten "Bild" folgt nun der "Gnomus", der in ELP's Bearbeitung die kongeniale Umsetzung der Ideen Mussorgskis durch das Rocktrio erfahren durfte. Was machen Voyager IV? Sie folgen zunächst mit Power der Spur Emersons bis das Klavier eine seltsam nach latino klingende Passage einfügt. Darauf folgt eine Improvisation des E-Piano mit südamerikanischem(!) Perkussionstreiber. Ist das  Mamba oder Sambo? Ich bin mir net so sicher. Sicher ist, dass das Tanzbein zuckt. Allerdings stellt sich die Frage, was Mussorgski und seiner Idee dieser Komposition mit latinischer Musik zu tun hat. Kunst ist frei - nun gut. Darüber zu schreiben/ reden eben auch.
Übergangslos schließt sich  "Das Alte Schloss" an. Hier nimmt Kuchta wieder das Hauptmotiv bzw. die markante Melodie und legt einen Text drüber (oder drunter - wer weiß?) Was der Text und die Stimme nicht schafft, das schafft dieses hier unselige Gezirpe, nämlich Kopfschütteln auszulösen. Das wird zunächst beendet - das Gezirpe -  und so bekommt der Titel den ihm gemäßen erhabenen Platz im Gesamtwerk (wenn nur zum Ende dieses Gezirpe fehlte - das braucht nun wirklich niemand).
Die "Promenade" wird nun genommen um daraus einen Jazzsong zu performen (wie hasse ich dieses Wort, aber hier passt's). Es ist nicht abzustreiten, dass mit diesem Song etwas Leichtigkeit einkehrt, die auf die "Tuilerien" überleitet, die sehr
razz-jockig (!) präsentiert werden. Hier zeigt sich die Spielfreude und das Können überhaupt von Marcus Schinkel. Er beherrscht sein Instrumentarium und braucht keine Vergleiche mit heutigen und gestrigen Tastendrückern zu scheuen. Ein starkes Stück!
Der "Ochsenkarren"(Bydlo) wird wieder zu einem Popsong. Wobei die Stimmverfremdung in der Erzählpassage eher abtörend wirkt. Schade, Hier wurde eine Chance vertan, zeitgemäßen Prog zu entwickeln - bitte ohne Gesang!
Man hätte fast das Schlimmste befürchten können nach dem "Karren". Aber die Band zelebriert den "Lucky Man" großartig. Selten hat man diesen Titel in solcher ausdrucksvollen Progversion gehört, die auch die Bezeichnung "Prog" verdient Vor allem der 2.Teil setzt die Tragik um, die im Text steckt. Im Arrangement und der Ausführung ein Treffer. Dazu darf man den Protagonisten gratulieren. 
Die "Catacomben" (von Paris?) und die Stimmen der Toten dort inspirieren Schinkel zu einer Jazzbalade im ersten Teil mit Klavier als Hauptinstrument und dem Synthie iim Zwischenteil, Schlussteil - sorry! - Geklimper mit Synthiegeflirre, Sinnfrage!
Jetzt aber legen die Jungs los. Das ist bei dieser Vorlage aber auch keine große Kunst. Denn hiermit hat der gute Mussorgsk(i)(y)(ji) den Steilpass für Rockbands schlechthin geliefert. Die Band musste nur noch vollenden, was sie auch mit Druck und Begeisterung tut. Hat der Modest da nicht im 19.Jahrhundert den Prog schon vorgeahnt? ich frag' ja nur.
Wer nun das große Bombastfinale wie bei fast allen Adaptionen erwartet hat, wird zunächst mit einem weiteren Popsong überrascht, der sich zwar auch zum Ende hin steigert, aber auch schon nach 4:45 Minuten beendet ist.
Der Rezensent, der mit dem Original im Musikunterricht Ende der '60er ausgiebigst musikalisch vorgeprägt wurde, bleibt leicht irritiert zurück ob des gehörten Adaptionsversuches. Ist dieser nun gelungen oder nicht? Die Antwort ist: halb und halb.
 Das Album hat seine starken Momente - siehe Text - , ist stark gespielt (Schinkel!) und klanglich ohne negative Auffälligkeiten (muss man heute wieder sagen - leider!). Meine Empfehlung lautet daher: kann man sich anhören, muss man aber nicht.

https://voyageriv.bandcamp.com/

Die Band:

Marcus Schinkel:      Grand Piano, Synthsizer, Clavinet, Ebow
Johannes Kuchta:     Voc, Perc, Tupian, Sopransax
Wim de Vries:            Drums, Perc,
Fritz Roppel:              Bass

Titel:

1.	Promenade	5.42
2.	Samuel Goldenberg & Schmuyle (My Point Of View)	5.07
3.	Gnomus	4.16
4.	Il Vecchio Castello (Photophobia)	6.13
5.	Promenade II (From The Land Of The Feathers)	6.01
6.	Tuileries	4.37
7.	Bydlo (The Bullock Cart)	4.48
8.	Lucky Man	5.35
9.	Catacombae/Cum Mortuis In Lingua Mortua	6.29
10.	Baba Yaga	5.56
11.	The Great Gates Of Kiev (Daedalus Calling)	4.45
12.	Talk To The Wind	5.25